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Después de 17 años, la banda australiana regresó a Buenos Aires con un show demoledor, cargado de clásicos, energía intacta y una conexión total con el público.

La espera terminó y el regreso de AC/DC a la Argentina se convirtió en una verdadera celebración del rock. Con un Estadio Monumental colmado por más de 70 mil personas, la banda australiana volvió a pisar un escenario que ya forma parte de su historia, reviviendo una conexión única con el público local que se mantiene intacta con el paso del tiempo.

Desde la previa, el clima anticipaba una noche especial. Las tribunas se llenaron de las clásicas “horns” rojas mientras sonaban clásicos de Black Sabbath como antesala, generando una atmósfera cargada de expectativa. Cuando las luces se apagaron y comenzó la animación en pantalla, el estadio estalló en un grito colectivo que marcó el inicio de una descarga eléctrica inolvidable.

El show arrancó sin rodeos con “If You Want Blood (You’ve Got It)”, dejando en claro desde el primer minuto que la banda venía a entregar todo. Brian Johnson saludó al público en español y la respuesta fue inmediata, mientras Angus Young, con su icónico uniforme escolar, recorría el escenario con su energía inagotable. La conexión fue total y creció aún más con la llegada de “Back in Black”, coreada de principio a fin.

La lista de temas funcionó como una máquina perfecta de hits, sin pausas ni concesiones. “Thunderstruck” desató uno de los momentos más intensos de la noche, acompañado por una puesta que simuló una tormenta eléctrica, mientras que “Hells Bells” reforzó la mística con la icónica campana descendiendo sobre el escenario, generando una de las imágenes más impactantes del show.

A lo largo del recital, clásicos como “Highway to Hell”, “Dirty Deeds”, “You Shook Me All Night Long” y “Shoot to Thrill” mantuvieron al público en un estado de euforia constante. La banda apostó a lo seguro, construyendo una seguidilla de himnos que fueron cantados como un ritual colectivo, confirmando que su repertorio sigue siendo uno de los más poderosos del rock.

Angus Young fue, una vez más, el gran protagonista sobre el escenario, desplegando su característico “duck walk” y solos de guitarra que encendieron al público. A su lado, la banda mostró una solidez que demuestra por qué, después de más de cinco décadas de trayectoria, siguen siendo una referencia indiscutida a nivel mundial.

El tramo final elevó aún más la intensidad con “T.N.T” y “For Those About to Rock”, acompañadas por una explosión de fuegos artificiales que iluminaron el Monumental y sellaron una noche que quedará en la memoria de los fans. No hubo lugar para la nostalgia pasiva: fue un show vivo, potente y absolutamente vigente.

El regreso de AC/DC no solo cumplió con las expectativas, sino que reafirmó su vínculo especial con el público argentino, ese que los convirtió en leyenda en River. La banda volvió a demostrar que su esencia no cambia: rock directo, sin filtros y con una energía que sigue atravesando generaciones.

El documental de Juanjo Pereira regresa a la pantalla grande en funciones limitadas, ofreciendo una nueva oportunidad para reflexionar sobre uno de los periodos más complejos de la historia paraguaya.

El cine paraguayo vuelve a poner en primer plano la memoria histórica con el reestreno de “Bajo las banderas, el sol”, el documental dirigido por Juanjo Pereira que regresa a las salas este 26 de marzo con funciones especiales en Cinemark Paseo La Galería. Tras su paso por cartelera en 2025, donde convocó a miles de espectadores, la película se presenta nuevamente como una propuesta imprescindible para quienes buscan comprender el pasado reciente del país desde una mirada cinematográfica potente.

La obra, que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Berlín bajo el título “Under the Flags, the Sun”, logró posicionarse rápidamente como una de las producciones documentales más relevantes del Paraguay en los últimos años. Su recorrido internacional y su recepción en distintos públicos consolidan su valor no solo como pieza artística, sino también como herramienta de reflexión histórica.

El documental se construye íntegramente a partir de material de archivo recuperado en distintos países, dando forma a un relato que revisita los 35 años de la dictadura de Alfredo Stroessner. A través de imágenes muchas veces inéditas, la película reconstruye fragmentos de una época marcada por el control, la represión y las consecuencias que aún resuenan en la sociedad actual.

Para su realización, se investigaron más de cien horas de material audiovisual en diversos formatos, provenientes de países como Paraguay, Argentina, Brasil, Francia, Alemania, Japón, Taiwán, España, Reino Unido, Estados Unidos y Bélgica. Este amplio trabajo de búsqueda permitió construir un relato sólido, que conecta distintas miradas y registros sobre un mismo periodo histórico.

El resultado es una experiencia que interpela directamente al espectador, invitándolo a observar, reinterpretar y cuestionar las imágenes que forman parte de la memoria colectiva. La propuesta no se limita a mostrar el pasado, sino que propone un diálogo constante con el presente, evidenciando cómo ciertos procesos históricos siguen influyendo en la identidad del país.

El reestreno en marzo no es casual, ya que se enmarca en un periodo especialmente sensible para la memoria nacional, reforzando el valor simbólico de volver a proyectar esta obra en pantalla grande. La experiencia en sala permite una conexión más profunda con el material, potenciando el impacto emocional y reflexivo que propone el documental.

Las funciones serán limitadas, lo que convierte a esta nueva exhibición en una oportunidad puntual para el público paraguayo de reencontrarse con una producción que no solo destaca por su calidad cinematográfica, sino también por su compromiso con la reconstrucción de la historia y la necesidad de mantener viva la memoria colectiva a través del arte.

Tras más de una década sin material inédito, la banda paraguaya marca su regreso con un single intenso que abre una nueva etapa artística.

Luego de una extensa pausa sin lanzamientos, Nod206 vuelve a escena con “Voces”, un single que no solo representa su regreso discográfico, sino también una evolución sonora y conceptual que reafirma su identidad dentro del rock nacional. El estreno llega tras su potente presentación en el Asunciónico 2026, donde la banda dejó en claro que su vigencia está más intacta que nunca frente a una nueva generación de público.

“Voces” se presenta como una propuesta oscura e intensa que profundiza en los conflictos internos del ser humano, explorando ese descenso progresivo hacia la pérdida de control y la fragilidad mental. La canción construye un clima envolvente, con una carga emocional fuerte, donde la tensión crece de forma constante, apoyada en una instrumentación sólida y una interpretación vocal cargada de dramatismo.

En términos de producción, el single logra un equilibrio entre la esencia original de la banda y un sonido actualizado con proyección internacional. El trabajo de mastering estuvo a cargo de Jeff Dunne, ingeniero estadounidense con experiencia en producciones de alto nivel, lo que aporta un acabado técnico que potencia aún más la contundencia del tema.

La historia de Nod206 se remonta al año 2000 en Asunción, consolidándose con el tiempo como una banda con identidad propia dentro del rock paraguayo. Su propuesta combina elementos del rock alternativo, el nu metal y una estética oscura cercana al goth, construyendo un estilo distintivo que los posiciona como una de las agrupaciones más particulares de la escena local.

La formación actual está integrada por José Bazán en voz, Juan Colmán en batería, Andre Pinheiro en guitarra, Paulo Lezcano en bajo y Alejandro Cantero en guitarra, quienes encaran esta nueva etapa con una visión renovada, pero sin perder la esencia que los caracterizó desde sus inicios.

El lanzamiento de “Voces” también incluye un videoclip oficial que refuerza la narrativa del single, apostando por una estética cinematográfica marcada por la oscuridad y el misterio. La pieza se desarrolla en un entorno casi vacío, donde un único punto de luz guía la escena mientras el resto permanece oculto, generando una sensación constante de tensión y expectativa.

A nivel audiovisual, el trabajo destaca por el uso de efectos visuales y una edición cuidada que eleva la propuesta estética, consolidando al videoclip como una pieza que acompaña y amplifica el impacto emocional de la canción.

Con este lanzamiento, Nod206 no solo rompe un silencio de más de diez años, sino que abre un nuevo capítulo en su historia, demostrando que su sonido sigue evolucionando y que aún tiene mucho por decir dentro de la escena musical paraguaya.

Una propuesta turística innovadora y profundamente humana transforma a esta ciudad misionera en una experiencia única, donde los visitantes viven al ritmo de la comunidad.

En un contexto donde el turismo suele estar marcado por la velocidad, los itinerarios ajustados y las experiencias estandarizadas, Santa María de Fé propone exactamente lo contrario: un viaje que invita a desacelerar y a conectar con lo esencial. Este pueblo del departamento de Misiones logró convertir una idea simple en una transformación profunda, dando vida a un concepto que hoy redefine la forma de viajar en Paraguay, poniendo a las personas en el centro de toda la experiencia.

Ubicada a 242 kilómetros de Asunción, esta histórica ciudad de origen jesuítico desarrolló el proyecto “Hotel de Pueblo”, una iniciativa impulsada por la Senatur en conjunto con autoridades locales, que convierte a toda la comunidad en anfitriona. No se trata de un hotel convencional, sino de un modelo en el que las casas de familia, las tradiciones y la vida cotidiana forman parte del hospedaje, generando una experiencia auténtica y cercana para quienes llegan.

El atractivo principal no está en grandes infraestructuras ni en lujos artificiales, sino en la riqueza cultural y humana del lugar. Las casonas coloniales, los museos, las iglesias y los espacios históricos se integran con la vida diaria del pueblo, mientras que los visitantes pueden compartir actividades con los habitantes, desde talleres de bordado hasta experiencias de tallado en piedra, creando un vínculo directo con la identidad local.

La propuesta también se vive a través de los sentidos, especialmente en la gastronomía, donde platos tradicionales como el vori vori, el mbeyú y distintos guisos forman parte del recorrido. A esto se suman momentos simples pero significativos, como disfrutar un mate cocido en un corredor con vista al paisaje, acompañado por los sonidos naturales que caracterizan la tranquilidad del lugar.

Uno de los pilares más importantes del proyecto es su enfoque sostenible, ya que no se construyeron nuevas infraestructuras, sino que se puso en valor lo existente. Este modelo permite preservar el entorno, fortalecer la identidad cultural y generar una economía circular en la que cada experiencia turística impacta directamente en la comunidad, distribuyendo los beneficios de manera equitativa entre sus habitantes.

La propuesta no solo posiciona a Santa María de Fé como un destino innovador dentro del país, sino que también proyecta su modelo a nivel internacional como una alternativa replicable en otras comunidades con patrimonio histórico. De hecho, ya recibió reconocimiento en instancias globales vinculadas a buenas prácticas turísticas, destacando su enfoque humano y sostenible.

De cara a fechas clave como la Semana Santa, el interés por vivir esta experiencia sigue en crecimiento, con una demanda que anticipa ocupación total y confirma que el turismo puede tomar nuevos caminos cuando se construye desde la identidad, el respeto y la autenticidad de un pueblo que decidió mostrarse tal como es.

El espectáculo impulsado por Zeta Bosio y Charly Alberti logra reconstruir la presencia de Gustavo Cerati en escena, en una experiencia que mezcla nostalgia, innovación y una emoción difícil de explicar.

El regreso de Soda Stereo bajo el concepto de Ecos no es solo un evento musical, sino un fenómeno que atraviesa generaciones y emociones. Con más de diez funciones agotadas antes incluso de consolidarse como propuesta, el espectáculo se posiciona como uno de los más ambiciosos de los últimos años en la región, combinando tecnología de última generación con el legado de una banda que sigue marcando la historia del rock latinoamericano.

La expectativa era enorme desde el anuncio mismo del proyecto, no solo por el peso simbólico de Soda Stereo, sino por la incógnita que generaba la presencia de Gustavo Cerati en formato virtual. Esa mezcla entre curiosidad, respeto y cierta desconfianza se hizo evidente en la previa al debut en el Arena de Buenos Aires, donde el ambiente estaba cargado de ansiedad y emoción en partes iguales.

El estreno se vivió como un verdadero acontecimiento cultural, con una alfombra roja que reunió a figuras del mundo de la música, el espectáculo y la gastronomía, entre ellos Emiliano Brancciari, Walas, Fer Ruiz Díaz, Alejandro Lerner, Mike Amigorena, Narda Lepes y Germán Martitegui. La presencia de tantos nombres relevantes confirmó que no se trataba de un show más, sino de un momento que iba a quedar marcado en la escena.

Minutos antes de que comenzara la función, el público ya se encontraba completamente entregado a la experiencia. En los alrededores del Movistar Arena, los fanáticos compartían recuerdos, expectativas y esa sensación difícil de describir que solo generan los grandes regresos. La nostalgia funcionaba como un hilo invisible que conectaba a todos los presentes, sin importar la edad o la historia personal con la banda.

El inicio del espectáculo marcó un antes y un después. Cuando la intro de “Ecos” comenzó a sonar y Cerati apareció en escena con su guitarra, el impacto fue inmediato y profundamente emocional. No fue solo una reacción de sorpresa, sino una respuesta física: piel de gallina, lágrimas contenidas y una sensación colectiva de estar presenciando algo que parecía imposible.

El momento en que Cerati saludó con un “¡Hola, preciosuras!” terminó de romper cualquier barrera entre lo virtual y lo real. La escena se volvió hipnótica, con un equilibrio delicado entre la magia del espectáculo y la conciencia de que todo estaba cuidadosamente construido. Algunos pequeños desfasajes en la proyección recordaban que se trataba de una recreación, pero lejos de romper la ilusión, la reforzaban.

La propuesta musical estuvo a la altura del desafío, con una lista de 19 canciones que recorrieron distintas etapas de la banda. Zeta Bosio y Charly Alberti se mantuvieron enfocados en su rol instrumental, sosteniendo la estructura del show mientras la figura de Cerati se integraba a través de una reconstrucción realizada con material de archivo, tanto en vivo como de estudio.

Uno de los momentos más impactantes llegó con las secuencias en 3D, especialmente durante “Cuando pase el temblor”, donde el público, equipado con anteojos, se sumergió en una experiencia visual inmersiva que expandió los límites del espectáculo. La tecnología no solo acompañó, sino que se convirtió en parte esencial del relato, potenciando cada momento emocional.

La respuesta del público fue contundente desde el primer acorde, con clásicos como “En la ciudad de la furia”, “Persiana americana”, “Prófugos” y “Un misil en mi placard” coreados de principio a fin. Hacia el tramo final, el clima se volvió más introspectivo, con canciones como “Planeador” y “Final caja negra” generando una atmósfera densa, casi espiritual, donde la emoción se volvió protagonista absoluta.

El cierre con “De música ligera” fue el punto culminante de una noche cargada de significado. Bosio y Alberti descendieron al campo mientras el estadio entero cantaba al unísono, en una escena que resumió perfectamente el espíritu de Ecos. No se trata de un regreso en términos tradicionales, sino de una reconstrucción que invita a repensar la relación entre memoria, tecnología y emoción, dejando en claro que, incluso cuando el truco está a la vista, lo que se siente sigue siendo completamente real.